电脑系统打散重构怎么画_什么叫打散重构

1.色彩画课程

2.毕加索的颠覆式创新

海报设计分类和赏析怎么做

分析不同的海报风格,学习与借鉴其优秀之处,提升海报的审美能力!01、音乐主题插画海报设计-韩国设计师YejiYun这组插画海报以音乐为主题而展开的设计,设计师喜欢将自己与世界连接起来,并将那个瞬间描绘在画纸上,这正是设计师的天马行空的独特之处

02、创意字体海报设计-瑞士c2f设计工作室瑞士C2F是由CybuRichli和FabienneBurri于2006年创立的瑞士视觉传达设计工作室,其字体海报作品的设计风格形式多样,多以立体的效果展示为主

03、花卉海报设计-西班牙设计师XavierEsclusaTrias海报以花卉和文案为主,巧妙地混合了植物花卉与平面设计元素和文字,复古又时尚,体现了不一样的美感

04、传统文化艺术海报设计这是一组以“温·故”为主题的非遗手工艺展宣传海报,文案的大小对比强烈,突出“布”“竹”“漆”等主题,局部放大手工艺展品,展示花纹样式与丰富的细节,是一组具有浓厚特色的传统文化海报设计

05、创意图形分割海报设计-molwerk这是一组利用简约图形、线条对元素进行分割的创意海报,配色多采用对比色,红与黑、红与蓝、黄与紫等,吸引用户的眼球,整体给人舒适的感觉

06、创意脑洞海报设计-molwerk这组海报脑洞大开,主要以红黑色为主,细细品味,每张海报都有一个主题故事场景,前四张海报都是以简约红色图形叠加,形成聚焦,整体视觉冲击力很强

07、纸质风格海报设计纸质感的运用使海报具有立体感,别具一格,主题场景增强海报的趣味性,这种表现风格值得学习与借鉴

08、亮色纸质风格海报设计纸质风格海报属于立体海报的其中一种形式,立体视觉与纸质厚度,是纸质效果海报设计的关键

这组纸质风格海报运用大量的亮色,营造活跃的氛围,在色彩的运用上有一定的突出

9、重叠效果风格海报设计重叠效果风格的使用不仅能可以增强海报的视觉效果,人物与形状或文字的重叠使排版增添神秘感,能迅速将人的眼球吸引过来,让人想去发掘其中的秘密

10、矩形元素海报设计矩形元素一般给人庄重和严谨的感觉,矩形元素的巧妙运用使整体海报设计显得不沉闷,结合文案的排版、叠加、旋转等强弱对比,使海报添加了不少活泼

11、水墨元素海报设计水墨元素代表着中国传统文化,是一种特有的语言,具备东方审美意蕴,其韵味、形色蕴含着中华文化的精髓,运用在海报设计中不仅发挥水墨的特性,还丰富了画面,增强艺术效果,达到了一定的审美意境

12、著名景点插图字体海报设计-日本设计师SeeVisual这是一组极具特色日本著名景点的彩色插画海报和字体视觉设计海报,整体运用丰富的配色,景点海报充满意境,文案简洁突出,字体设计有自己独特的风格,值得细细品味

13、创意圆形几何图形构成海报设计-设计师PosterLad这是一组利用几何图形构成的创意海报设计,设计师将圆形元素玩转得很彻底,用多种不同的方式进行处理和展示,投影的运用增强立体感,人物剪影和文案为海报添加不少点缀

14、复古时尚人物拼贴海报设计这是一组不缺乏时尚的复古海报设计,运用不同的几何形状与抽象图形混合,结合饱和度低的人像,运用多种丰富的色彩使画面整体视觉充满愉悦感,整体搭配起来有趣简单好看

15、复古风格海报设计-丹麦设计师MadsBerg这组商业广告海报风格独特,像是比较老旧的作品,带有古老元素和印刷制品的感觉,形成浓浓的复古风格,设计师海报的特点是将经典海报艺术转为现代和永恒的风格

16、拼贴元素海报设计这是一组创意拼贴元素海报设计,这组海报的元素有涂鸦、插画、摄影、矢量图形,拼贴元素等,表现形式多以几何图形和不规则形表现

17、WWF倡导保护动物的公益海报设计图一图二以写实插画的形式展示,写实插画可以很真实的把物体表现出来,重在细节刻画

后面的海报主要以扁平插画的形式展示,简单有趣,色彩丰富与背景形成对比,有效的传达了保护动物的理念

18、插画海报设计-DawidRyski这组插画海报运用矢量插画的形式结合简约的几何图形,表现一个个鲜明有趣的场景,充满创意

19、创意海报设计-法国设计师MichaelSallit这是一组利用大量的线结合点、面构成的创意海报设计,其主要特色是设计师把人物的轮廓以线的形式展示出来,即使有大量的线条,也不会让人觉得混乱,反而节奏有序

20、创意海报设计-byElisaVendramin这是一组新生代设计师所设计的创意海报,ElisaVendramin是一位插画设计师,在海报设计的时候利用抽象的概念为形式结合丰富的配色,形成完美的组合

视觉传达考研都考什么？

大多数院校视觉传达考试内容为:政治英语、专业理论、专业手绘。详情见下文:

大多数院校视觉传达考试内容为:

1、政治英语(学硕英语一,专硕英语二)

2、专业理论:不同院校,相关参考书目也不同,一般较为通用的是王受之的《世界现代设计史》。

3、专业手绘:装饰画、插画、字体设计、书籍设计、品牌形象设计、图形创意、包装设计、海报设计、UI界面设计等等都是视觉传达所包含的内容,不同院校考察内容不同。

专业一(设计理论)

各个院校的理论参考书目不尽相同,大致可以分为史论类(设计史或者美术史)、概论类(设计概论或艺术概论)具体参考书目以目标院校的考纲为准。

专业二(设计手绘)

不同设计专业要求以各自的专业形式命题。考试时间为三到六个小时不等,纸张尺寸为A4到A1不等,考试纸张常见为绘图纸、卡纸、素描纸、水粉纸、硫酸纸等,具体的专业要求以目标院校的考纲为准。

视觉传达考研分为以下几大类

具象海报设计类:

具象海报设计是考研手绘中最常见的考试形式之一。考题会提供一个主题文字或图案,要求考生通过具象写实的表达方式去设计一张海报。

抽象海报设计类:

抽象海报设计类考试的手绘形式指的是运用几何化的手法,将原来具象的素材变得设计感十足,不仅在考试中适合使用,在实际设计中也是经常用的到的设计手法。

快题设计类:

快题设计作为考研设计中最为常见形式,他是以全面考察视觉传达专业的专业素养为方向进行出题的,一般包含海报、标志、字体、包装等等元素,是最全也是综合性最强的考试类型。

装饰画类:

装饰画的考试形式,可分为黑白单色与彩色两种。装饰画的表现手法是将原有具象素材转变为点线面构成装饰形式,利用颜色搭配和装饰纹样来表现美感,让原有的素材呈现出与众不同的特色。

平面构成类:

构成类考试的设计形式,主要以线条的分割,点线面元素和主体物打散或重构或扭曲等,这就是抽象创意为后期设计的价值。

插画设计类:

插画也是考研手绘考试的主要形式之一,插画相较于海报作品的区别在于海报是为了向读者传达信息,凸显主题,而插画更多的是通过场景等形式向读者讲述一个故事。

logo设计类:

标志设计是考研设计手绘中最常见的考试形式之一,手绘标志的设计主要以勾线与马克笔彩色作为材料进行绘制,因此在绘制标志要注意线条的流畅度和涂色的均匀性,在标志的创意方面尽可能运用一些图形创意手法。

字体设计类:

基础的字体设计在考试和实际应用中非常广泛,字体设计并不是宋体或者黑体等现有字体,大多需要重新设计,一般分为两种考察形式:大标题使用的字体设计、商业标准字

包装设计类:

包装设计在视觉传达手绘考试题目中,大多出现在快题设计中。通过以某个品牌或元素为主题进行系统设计,包装设计的主要类别包括文创产品包装,食品类包装和书籍设计等等,在考研中包装手绘难点主要在于包装盒型的绘制。以及主题图案与文字背景搭配方式的选择。

界面设计类:

界面设计作为近些年比较流行的考试方式,大多出现在与交互,数字媒体等专业的手绘考试中,界面设计往往以一个主题作为元素进行设计一套虚拟的智能界面,大多以手机,平板或是网页的形式出现。

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海报设计的表现形式有哪几种？

海报是广告的重要组成部分,即将到来的事件,无论是即将到来的**,一张专辑的首张,或一个就职仪式,你将需要一个美丽的海报,以吸引人们的关注。以下就是小编为您推荐的海报设计的表现形式。

店内海报

店内海报通常应用于营业店面内,做店内装饰和宣传用途。店内海报的设计需要考虑到店内的整体风格、色调及营业的内容,力求与环境相融。

招商海报

招商海报通常以商业宣传为目的,采用引人注目的视觉效果达到宣传某种商品或服务的目的。招商海报的设计应明确其商业主题,同时在文案的应用上要注意突出重点,不宜太花哨。

展览海报

展览海报主要用于展览会的宣传,常分布于街道、影剧院、展览会、商业闹区、车站、码头、公园等公共场所。它具有传播信息的作用,涉及内容广泛、艺术表现力丰富、远视效果强。

平面海报

平面海报设计不同于海报设计,它是单体的,独立的一种海报广告文案,而海报设计则包含有立体感,时光交错感,给人一种身临其境的设立理念,这种海报往往需要更多的抽象表达。没有一定的设计功底,很难做到赏心悦目的效果。平面海报设计就没有那么多的拘束,他可以使随行的一笔,只要能表达出宣传的主体就很NICE。所以平面海报设计是比较符合现代广告界青睐的一种低成本,观赏力强的画报。

色彩画课程

贵州蜡染图案的题材主要来自对自然环境中物象的模仿以及对民族文化的深刻记录和表达。从贵州蜡染纹饰题材的归类上看，主要分为自然纹样和几何纹样两大类，自然纹样中又可分为植物纹样和动物纹样。

自然纹样中的植物纹有菊花、莲花、桃花、兰花、牡丹、石榴、葫芦、向日葵、鸡冠花、浮萍、水草、蕨菜花、辣椒花以及山里无名花卉等纹样，动物纹有牛、龙、鸟、虎、狮、象、鹿、狗、兔、鸡、鼠、凤、雉、山雀、猫头鹰、蝙蝠、蝴蝶、蜜蜂、青蛙、螺蛳、龟、虾等纹样。这些题材都来自贵州少数民族十分熟悉的大自然，但在造型上又不受自然形象细节的约束，而是做了大胆的变化和夸张的艺术处理。这种变化和夸张既准确地传达了物象的特征，又具有相当高的艺术概括能力。

贵州的少数民族由于长期生活在青山绿水之间，大自然的美景给她们带来了艺术创造的灵感。山涧中的小草和野花，丛林里的树木和果实，都是她们表现的对象，因此她们能创造出题材多样、风格迥异的各种植物花卉纹样。在一些地区的蜡染中，植物纹是与动物纹共同使用的，而有的地区是以植物纹为主的。比如绕家蜡染民族工艺品多是小巧花叶变形图案就，而革家蜡染民族工艺品也多有蕨菜纹、菊花纹的组合。六枝、纳雍等地的苗族蜡染图案，几乎全是由花草藤蔓组成的流畅优美画面。贵州蜡染中的各种植物花卉的大量使用，除了因为这些在日常生活中经常可见之外，还含有美好的祝愿与希望。丹寨和三都蜡染中，鱼、鸟周围总有很多代表爱情的莲花、隐喻多子的石榴、寓意长寿的桃子等;而果木则表现充沛的活力，葫芦蕴含新的生命，豆米纹象征五谷，花卉纹象征青春等。

榕江的祭祖幡旗上，常常有一棵大树高居旗首，这是祖先崇拜的象征。许多苗族村寨都有几棵大枫树，被苗族人视为神树，成为“妈妈树”或“保寨树”，是整个村寨的保护神。《山海经·大荒南经》载：“蚩尤所弃其桎梏，视为枫木”，因此，苗族认为枫树是蚩尤的化身，是祖先精神的所在。枫树汁是红色的，苗族人认为枫树是蚩尤的化身，是祖先精神的所在。枫树汁是红色的，苗族人认为那是蚩尤的血。苗族古歌用了很大的篇幅叙述了枫木的来历和功用：它“生长在天家”，“枝桠漫天涯”，能“结出千样种，开出百样花”，它还化生万物，锯木变鱼子，木屑变蜜蜂，树芽变飞蛾，树叶变燕子，树心生人类母亲----蝴蝶妈妈。有些苗族地区在盖房子时，习惯用枫木作中柱，因为那里的人们认为枫木生人，用作中柱可保子孙兴旺。贵州蜡染的动物纹主要出现在苗族和革家蜡染民族工艺品中，尤其是黔东南和黔南的苗族，她们依照自然界的动物原型创造了神话般的动物造型。但这些经典图形不是像汉族的龙凤图案那样有固定的形象，而是依照苗族女子的想象力而千变万化的。

鸟是苗族蜡染工艺品中最常见的题材，尤其在贵州南部榕江、三都、丹寨等地区，几乎每一张蜡染民族工艺品都离不开鸟，造型千姿百态。在丹寨蜡染民族工艺品中，鸟身常与蝴蝶花草相结合，生动活泼;榕江蜡染民族工艺品中，鸟头与龙身结合而成鸟龙纹，神秘奇特。鸟文的盛行与苗族生活中的山林多鸟的自然条件有关。虽然汉族也喜欢鸟，但是多为欣赏其形态之美或取其吉祥含义，并未赋予其以偶像的地位。上古商民族图腾崇拜的“玄鸟”，在汉文化中经过不断发展演化而成了凤凰，逐渐失去了对玄鸟的崇拜，但在苗文化里，还仍然保存着对类似玄鸟的图腾崇拜观念和行为。苗族“亲死不哭，笑舞浩歌谓之闹尸，明年闻杜鹃声，则闭户号泣曰：‘鸟扰岁至，亲死不复矣’”，说的就是苗家以笑舞浩歌祝颂亡灵化鸟的情景;如果第二年听到杜鹃的啼叫，则征兆亡灵还没有化为鸟形，故要闭户号泣。

龙纹在苗族蜡染民族工艺品中是最为常见的纹样，其表现形式有具象和抽象之分。安顺蜡染的龙纹是曲线组成的抽象造型，而榕江的龙多为鸟首蛇身的具象纹样。在榕兴华乡高排村的鼓藏节上，家家户户都要用长竹竿挑着蜡染长幡肃立，幡旗上有鸟龙、鱼龙、蜈蚣龙等纹样，表达了他们希望祖先已经变成龙，保佑子孙平安幸福的愿望。龙是中华民族的象征，是远古的图腾，经过历朝历代的逐渐演化，龙已经形成一种庄重威严的标准形象固定下来，并已经成为皇权的标志。而生活在平权社会的贵州少数民族妇女，仍按照自己对生活的理解和审美观念去描绘想象中的龙。她们认为龙是蛇、黄鳝、鱼、水牛，能使大地风调雨顺，常葆生机。贵州蜡染工艺品上的龙纹多种多样、简朴自然，没有一个特定的形态，与汉族权势社会的龙大相径庭，表现出浓郁的平民意识。

鱼纹在贵州各地的蜡染中都能见到，形态各不相同。革家的鱼纹造型饱满、工整精细;丹寨的鱼纹多与鸟纹、花卉纹互变共生，活泼生动;织金蜡染民族工艺品的鱼纹则已演化成抽象繁杂的曲线造型。榕江蜡染中，鱼更是被赋予了神秘色彩，变成鱼龙。鱼是繁殖能力最强的一种生物，历来被视为多子的象征，也是中原民族远古时期所崇拜的生殖繁衍的神物。鱼于苗族的生活密切相关。苗族先民曾生活在洞庭水乡，至今还保持着稻田养鱼的生活习惯，传统习俗中还存在着鱼祭。在鼓藏节第三天，全氏族的男女老少，须身挂麻丝和干鱼跳“米汤舞”，苗家认为鱼命大多子，而麻割后复生，以祈求祖先保佑家族子孙像鱼崽，富贵如涨潮。苗族婚礼中也有捉喜鱼的仪式，是企望子孙繁衍像鱼那样迅速和众多。

蝴蝶是贵州苗族蜡染民族工艺品中很常见的图案，尤其黔东南，是蝶纹最集中、造型最丰富的区域，有蝶翅人面的造型，有蝶身鸟足的造型，还有花蝶合体、鸟蝶合体等各种纹样，千姿百态，不一而足。在纳雍、六枝的蜡染图案中，整个画面几乎都是由云波状的蝴蝶和花草构成。而榕江蜡染的蝴蝶造型有多种形态，一般以大蝴蝶作为母体形象在它之外又有万物护身，或在轮廓之内进行丰富的装饰，在稚拙的形态中，显露出蓬勃的生气。蝴蝶有美丽的外表，又有极强的繁殖能力，可以说完全符合了苗家人的审美观，但更重要的原因还在于他们将蝴蝶视为祖先而崇拜。苗族古歌传说蝴蝶妈妈从枫树上生下来后，因和泉水上的泡沫恋爱，怀孕生下十二个蛋，经大鸟姬宇替她孵了十二年，才生出人类的始祖姜央及其他天体、动物、植物、鬼神，由此天下才有了人类和各种生物。可见，蝴蝶纹样是苗族一种原初的宗教信仰的艺术体现。

几何纹样在贵州各地的蜡染中都能见到，尤其是贵州西部的六枝、黔西、织金等苗族蜡染工艺品中更为常见。几何纹样包含有十字纹、万字纹、太阳纹、星辰纹、井字纹、水波纹、漩涡纹、铜鼓纹、八角花、牛角纹、回纹以及各方式方形纹等自然物象几何化的纹样，多是他们祖先留传下来的。这些纹样都有古老的传说，以示对祖先的怀念。按习俗，这类蜡染图案是不能随意改动的。尽管几何纹只是由点和线组成，苗族妇女们却能指着这些抽象纹样解释它们描绘的是什么。既有单独图案的明确含义，又有组合图案的象征解释。先民们为生存而采集、耕作，感受到自然界的力量无比强大，于是产生自然崇拜。他们对自然物精心模仿并进行抽象性的创造，寄托热爱生活的情感和祈福消灾的愿望。同时，在狩猎到驯养中对动物的观察和了解也使得他们创造了鸟眼纹、鸟翅纹、虎爪纹、猫脚纹、骏马纹、肠子纹等。虽然是对自然物象的局部模拟，然而，由于高度的抽象和概括，这些图案大都具有超越模拟的意象色彩。另一方面，还有许多几何纹样具有原始巫教性质，如山川纹、田丘纹、湖泊纹、城池纹等。这些都与其先民的生息发展和战争迁徙有关，是对祖先故土的缅怀，是迁徙路线与过程的记录。而那些“苗王印”背牌纹、鸟翅纹、鸟眼纹、蝴蝶纹之类，传说都是祖先的化身或象征，是动物崇拜和祖先崇拜的一种印记。铜鼓是南方少数民族的重要文化遗产，从先秦流传至今，已有三千年的历史，其用途有祭祀、、婚丧、战争、报时等，在很多民族中作为神圣、权利和财富的标志。铜鼓的影响几乎渗透到社会生活的各个角落，其纹饰从宋代以后，一直都是装饰蜡染艺术的主要题材。贵州蜡染民族工艺品中的很多纹样都可以从铜鼓上找到出处，例如鼓面中心花纹----太阳芒纹、同心圆、锯齿、云纹、雷纹、线纹、针状纹、鸟纹、鱼纹、瓜米、花瓣、树叶、万字纹、寿字纹、螺旋纹等。这些图案有的在蜡染中保持原样，但更多的时候是根据制作者不同的审美眼光和表现手法，通过不同的组合和变形形成千姿百态的造型；有的随着时代的发展，在蜡染图案中有更新和变异。

许多贵州蜡染工艺品中的造型已经无从考证它所代表的意义。祖辈留下来的蜡染图案，经过苗家妇女世世代代的传承，已经完全内化于她们的思想中，融入到她们的审美观念里，她们信手画来的，就是令我们赞叹惊羡的极富想象力的艺术造型，而问及她画的是什么，或为什么要这样画，她们也难以回答。要读懂这些造型实在是一件非常困难的事。为了从那简单质朴而又妙趣横生的图案中国得到艺术的启迪，我们必须重新掌握一种陌生的语言和思维方式，必须以整个身心投入另外一个远离我们时代的世界中去。 贵州蜡染民族工艺品无论从造型是还是从构图上，都体现了少数民族妇女以饱满为美、以齐全为美的审美观念。从造型上看，苗族传统蜡染工艺品中的几何纹、动物纹、植物纹所表现的对象都符合形式完美的原则。如榕江、三都的一些苗族蜡染工艺品中，动物的头部无论是从正面还是从侧面看，都有双耳、双眼、双脚。有时在动物身体轮廓内添画内部结构，如动物腹内画上肠子，鱼身内画上鱼刺等。苗族妇女在创作时不会追求表现透视效果，而是要力求形体完整，即使比例失调也要使得造型显得完美而齐全。在蜡染图案造型上，她们也要求完美，如白领苗肩部的“窝采”几何纹样，外形饱满而流畅。在图案整体结构上，贵州民族妇女采用对称构图、中心式构图、分割式构图或散落式等构图形式，将各种动物纹、植物纹、几何纹巧妙地组合在一起，形成各种复合形、形中形造型，整个画面和谐统一、生动活泼，充满想象力。

贵州很多地区的蜡染图案具有程式化的题材加工和构图方式，无论是造型轮廓还是图案组合，基本上都是按本民族或本支系所特有的一种程式形式来完成的。从蜡染内容题材上看，无论是互变共生的丹寨蜡染花鸟鱼蝶，还是造型神秘的榕江各类鸟龙，都有其特定的传说与信仰，并具有固定的模式和形象。从构图形式来看，也反映出程式化的特色，往往根据不同的用途而有相应的构图形式，榕江蜡染和黄平蜡染甚至在点蜡时也多是依靠固有的纸样来构图。因此，不同民族、支系及地域的造型构图有着明显的区别。例如，丹寨的蜡染被面和床单，构图形式基本是上下或左右的对称组合，同时又具有散落式的特征。而安顺蜡染民族工艺品构图基本为中心式加多层构图，较为严谨。对比不同时代的贵州蜡染工艺可以发现，经过几代乃至几十代人千锤百炼，构图的基本规律在各地几乎是不变的，因为这种程式化的图式是劳动者集体审美意思的产物，所以具有十分强烈的传承性。

贵州蜡染工艺还充分体现了适合纹样造型的成功运用。贵州少数民族妇女善于依势造型，先安排大的布局结构，然后在不断产生出来的空白处设计新的图形，各种图形之间相互适应、相互穿插，最终将图案布满画面。她们在设计时把每一块画面都当成独立的空间，随形而设计的图形饱满而又富有创意。如丹寨苗族妇女点蜡时，先直接往布上任意绘制图形，在一个图形出现之后，于空白处画第二个图形，完成第二个图形后，又在剩余的空白处画第三个图形。每次剩余后的空白都是一些新出现的不规则的形状，给设计新形带来了难度，但也提供了想象空间。苗族妇女总能根据新出现的形状设计出新的图案，在空白处填上合适的图形。又如榕江蜡染长幡，中心图案是一条蜿蜒起伏的长龙，龙身两侧形成的弧形区域内，则随机填充一些小型图案，如卷龙、飞鸟、青蛙、游鱼等，而鸟翅、鱼身则作适当的变形或增添花叶等内容以适应需填充的区域。因此，她们不用精确计算图案所占的面积，而是随机应变，工巧天成。这种无拘无束、自由自在的创作方法使得贵州蜡染工艺品图案既生动又有序。

贵州蜡染图案在组织上十分讲究视觉秩序，将不同物象处理得多样统一、整齐均衡、满儿不乱，对每个纹样的刻画都照顾到全局效果。点、线、面的配合有致，取舍、夸张、提炼等艺术手法运用恰当，使贵州蜡染工艺品丰富多彩，清新明快，极感染力。如纳雍蜡染民族工艺品，其纹饰由多重弧线和小块面组成，动感强烈，对比分明，是线面组合美的典范。黄平革家蜡染是点线的组合为特色的，效果工整、精细。贵州少数民族妇女还根据自己的审美习惯，通过取舍、提炼、夸张等艺术手法对各种物象进行重新归纳和整理，创造出最具特征的艺术造型。如丹寨蜡染中鸟纹多强调肥壮的鸟身，而舍弃鸟翅的图案。榕江蜡染工艺品中常有夸张鸟眼的造型。纳雍蜡染中，极为抽象的鱼和鸟的造型则是对原有形态的整体化的概括。

贵州蜡染工艺品还表现出人化自然的愿望，少数民族妇女还通过对物象进行添加、改造、打散、重构，然后按照自己的认识和理解，把形象塑造得更理想化。她们不拘泥于对自然的模仿，也不强求图案符合客观的形式和比例，而是依据动物和花卉的各种形态，更具自己的爱好，自由发挥想象力，对客观事物加以提炼和概括，或进行形象的再造，从而创造出各种合体纹样。贵州蜡染工艺品中常常可见一些物象结构并重新组合而成的奇花异兽，或在物象内部添加其他元素，使其特点更明确，形象更优美，形成有趣味的形式感。如丹寨和三都蜡染中，苗族妇女将鸟鸡冠处理成花朵，鸡身变成鱼身等，这些造型虽然有违自然规律，却使得画面效果活泼有趣，天真自然。

贵州蜡染工艺品虽然通常只有蓝白二色，但是因恰当地运用了各种艺术手段，布局合理，结构严谨，动静相宜，摆脱了单色带来的局限性，而显示出丰富层次。这些图案经过一代代少数民族女子的传承和完善，提升了民族整体的审美水平，是她们自由创作的积淀和智慧的结晶。 贵州蜡染工艺品是一种浪漫主义艺术，采用的蜡染图案含蓄地表达了创作者的思想感情，她们期望借助使用造型中的动植物纹样，占有它们的美丽和灵气。如鸟纹的应用既是出于对它灵巧健美的形态的欣赏，也是由于羡慕它自由飞翔的能力。通过对鸟的各种形象的传神刻画，创作者的感觉、情感、愿望、要求都在这方寸之间得到了表现和传达。贵州蜡染图案还表现了创作者幻想有各种动植物的优势，神通广大而不被束缚，希望以他们的形体、能力来弥补自己不能企及之处。如人头蝴蝶、人头龙、人头虎、人头鱼等，最直接地表达了这个意识。贵州蜡染工艺品中的动植物题材的选择不仅注重外在美，还考虑它们所蕴含的美好含义，并将其与人的品性相互关联。如龙能保寨安民，蝴蝶是族群始祖，姬宇鸟美丽善良，鱼虾表示食物丰足，蛙蟾代表五谷收成，老虎威武勇猛，牛吃苦耐劳，狗、猴、猫、鼠和兔机灵活泼。至于那些动植物或与人的组合图案。如人与物结合，动物与植物结合，物与物之间相互切换，则表现了人与动植物及自然的相互往来和帮助。苗族地区因地域不同，图案的寓意也有所不同：黔东南苗族把蝴蝶纹和鸟纹比喻为原始图腾;而贵州纳雍、水城、六枝等地的苗族把蝴蝶比喻为美好的象征;织金、普定、平坝的苗族的鸟纹则是生殖生命的象征。

贵州蜡染图案是贵州民族历史文化的图式注解。在题材上多选择能代表美好事物的形象，并且都有一系列的理论作依据，如神话、史歌、传说、故事等，陈述了他们之所以选用这些题材的由来，也反映了他们的风俗和审美观念。当少数民族妇女制作蜡染时，神话传说故事的氛围早已暗示着某种心理意识，并且有着某种源自内心确定性的思维定势和价值指向。苗族蜡染图案中，有枫木、蝴蝶作为苗族始祖的传说，有姬宇鸟帮助蝴蝶孵化万物的传说，有狗为人采摘稻种的传说，有姜央兄妹成婚繁衍人类的传说。正是这些神话传说丰富了苗族蜡染的内容，就像西方文艺复兴时期的绘画多来自于圣经题材一样，如果没有这些神话传说的滋润，贵州蜡染也将黯然失色。

在世代传承的贵州苗族蜡染图案中有很多记述苗族先民社会和历史的主题图案，如“黄河”、“长江”、“平原”、“城池”等，生动地描绘了苗族祖先的悲壮迁徙史，苗族蜡染图案因而被誉为“无字史书”。这些图案被视为本民族图解的历史展示与传承，在漫长的迁徙过程中，逐渐分离的苗族群体就是依靠这些图案来牢记他们共同的文化关联，教育后来者不忘祖先故土的。正式因此，这一代代苗家人，不仅活着的人珍视它们，去世的人也必须穿戴着有这些图案的寿服才能下葬，只有这样，死者的灵魂才能返回祖先故地。这些图案对于培养民族意识、保存民族个性起到了重要的作。对于没有文字的民族，则发挥着文化符号的功用，具有历史的认识价值。

在贵州少数民族中，服饰图案是人们交往中首先指认的目标，服饰上的传统纹样往往具有特殊意义和强烈的族群凝聚力，在一定程度上起到了体现群体意识、标识族群文化、协同族群管理的作用。贵州的少数民族尤其是苗族，历史上灾难频繁，经过一次次战乱和迁徙，能够生存下来，完全是依赖族群的同舟共济、患难与共的精神。只有群体的力量，才是保存个体生存的条件，因此贵州的少数民族特别重视同祖、同宗、同支系的团结和行动的统一。同一风格款式的服装以及统一风格的纹样主题是身处这一民族文化内的人们必须无条件接受的，就像一个人无法选择自己的父母一样。正如苗歌中唱到“穿衣同匹布，穿裙同样花，做活同一处，我们团结地方，我们团结村寨，我们走一条路，我们走一座桥，我们转头在一边，立足在一起。”

民族服饰图案的重要标识作用使一些民族和支系在婚姻选择、宗教信仰以及对外交往等方面“只认衣冠不认人”。有的苗族支系甚至不愿与不同服饰的苗族结亲，宁愿到几十里甚至上百里意外的寨子里找服饰相同的苗族通婚。正因如此，苗族妇女才能将服饰原封不动地世代相传，使蜡染等制作技艺代代相传。尽管制作工艺繁杂琐碎，尽管她们并不完全明了纹样的含义和来龙去脉，但她们依然十分投入地织、染，体现了她们对族群、支系文化的认同和尊崇。

随着民族间文化的不断交流，汉族图案也以各种方式传入贵州并未贵州民族所接受和喜爱。贵州蜡染中有很多图案是来自于汉族文化中的。比如，丹寨蜡染中有蝙蝠、石榴、鸟、云、寿字纹、万字纹等文化中的传统图案。安顺蜡染民族工艺品已经基本汉化，成熟的图案中很难再找到苗族传统文化的痕迹。

毕加索的颠覆式创新

Ⅰ 服装设计课程里有包括画画和色彩等这些课程吗

服装有时装画，色彩也属于时装画里的一部分。也就是说服装设计课程包括画画和色彩

Ⅱ 请问，去广州南汉画室寒假班培训色彩有哪些课程呢

他们的寒假培训班色彩课程包括了色稿、色彩静物、色彩风景等。以色稿基础训练为主，认知提升和方向扩展训练为铺，养成良好的观察方法和学习思维，教的很详细的。

Ⅲ 少儿美术色彩第一节课怎么讲 讲什么

第一节课不用讲，让孩子们用颜色自由的表现。然后再根据他们的作品进行简单回的讲解。

比如：颜色的深浅搭答配、冷暖搭配、主色与装饰色、主体色与背景色等等。

这样既保持了孩子的天性，又有针对性，还能让他们有充足的时间作画。

Ⅳ 美术生上大学以后还会继续学素描速写色彩这些东西吗文化课还学吗学什么大学以后还有一直画画吗

画不下去，烦，那需要找些好书，比如世界大师的名画临摹，不懂的地方要找老师弄清楚，才能学得更好，静物阶段可能会有种难以下手去画的感觉，会有写生静物等等。这时候需要解决这些难题，有的方法是临摹更好的作品，从中学习技巧。

以后会有画人像的，会更难了，高三绘画校招，省考，至少三种：素描人物，色彩，速写，（素描人物头像或者有些学校是考素描半身像）。

工业设计类，服装设计类，环艺设计类，建筑设计类，平面设计类，室内设计类，动画设计类，这些以后的就业前景，都需要学好绘画基本功，还要加上电脑绘画处理软件，操作熟练。

就业方向考虑吧，不同绘画专业，不同的大学，只有学的技能优秀了，才能工作好找以及生活更好，网上搜索各种专业的就业方向，学费是大专可能贵一万多左右，本科中普通的七八千到一万等等，考上好的重本大学/美院/211大学/985大学，在大学努力学习，即使学费怎么样贵，都值得付出。

Ⅳ 红土地画室开设了哪些课程

主要开设课程 素描:几何体、静物组合、石膏头像、真人头像.

素描：几何体版、静物组权合、石膏头像、真人头像、真人半身带手

色彩：静物组合、色彩小场景、风景写生、彩头

速写：单个动态速写、场景速写、创意速写

设计：装饰画.设计素描.图形创意.平面构成.

创作：构图基础、主题画创作实践

Ⅵ 学服装设计是不是一定要学会画画

服装设计基础课程：绘画、服装画技法。服装设计专业课程：服装结构、服装材料学、服装发展史、服装英语、服装营销学、服装色彩学、立体裁剪。服装设计搭配课程：色彩搭配、制版、裁剪和缝纫。服装设计学习的相关软件：CorelDRAW 9、Photoshop、Adobe Illustrator。服装设计是指对服装线条、色彩、色调、质感、光线、空间等，进行艺术表达和结构造型的人。 要想成为一名服装设计师不是一件容易的事，不仅需要有一定的天赋，而且更需要懂得学习方法并为之付出辛勤的努力，才能学有所成。

Ⅶ 美院环艺大一上下学期上的什么课程素描和色彩课是否依然和原来的画法一样是否还要画速写

恩~恩~我是大二的~呵呵给你说一下吧~ 大一专业课程基本不分方向，是专业基础课，刚开始会画画素描，色彩和高中差不多的，然后就会学设计素描，设计色彩了，有点发挥想象力了。其他的还有一些为以后打基础的专业课，比如平面方向的三大构成啦，什么打散，重构，结构~排列~构图~ 环艺方向的立体构成啦，很有意思，你就随便找材料吧，去废品收购站找啊找（当然也可以买的），做啊做，结果很抽象的现代雕塑形式的作品就出来啦~笑 公修课，和必修课都有什么呢，想~~对了有大学语文，英语，还有思想道德与法律基础，还有体育是可以选的，比如武术，散打，球类什么的...... 当然课余时间也很充足，这样那样的活动也很多。 大一啊~真是美好的一段时光啊~学长我都老啦~ 最后祝你学业顺利！ 很不错哦，你可以试下

glフ渊ojЁ澶h椹fねèjЁ澶bたh椹bた28675046872011-9-16 12:33:05

Ⅷ 美术学师范类学什么

美术学（师范类）

主要基础课程：艺术学概论、中外美术史、中西艺术比较、素描、回速写答、色彩、中国画基础、工艺设计及艺术实践、教育实习等专业实践课程。

主要选修课程：中国画、油画、综合绘画、版画、平面设计、电脑设计、室内设计、摄影、美术理论等。

培养目标：培养具有系统、扎实的美术专业基本理论、基础知识和基本技能，具有从事美术教育、美术创作的基本素质和实践能力，胜任普通学校、社会文化、艺术、出版等单位中与美术相关工作的专门人才。

(8)色彩画课程扩展阅读

美术学师范类的字体特点：

1.老宋体：端庄大方、笔划横细直粗，点上尖下圆，横划收笔有顿角，笔划转折时顿角明显。

2.仿宋体：挺直、秀丽，笔划横直较细，起笔，收笔都有明显的顿迹。

3.黑体：笔划方头方尾，醒目有力。

4.包括数字，文字，外文都可以设计成美术字体。

5.如今的几乎和美术方面有关的字体都可以设计成漂亮，美观，具有艺术色彩的丰富花样的。

6.一幅美术上配上鲜艳的色彩的美术字，就会给整幅作品锦上添花，更能吸引眼球。

Ⅸ 有没有哪里可以上色彩配色的课程

要画好色彩至少知道这8个绘画技巧！

固有色是表现物体的基础，一般来讲，物体呈现固有色最明确的地方是明暗交界线往上一点的灰面。这个灰面，物体受环境较少，自身来说，这个面的饱和度也往往也是最高的。

8.画面需两块颜色衔接要自然，从明到暗要过渡圆润，色彩要衔接恰当。方法有三： a、利用湿画的方法。由于水的作用交互渗化，这样效果会自然而柔润。一遍不行，可照此方法再画一遍。b 、在两个颜色之间用中间明度的颜色画上去，虽有明显笔痕，远看过渡自然。c 、两个颜色衔接生硬的地方，可用其中一个颜色在邻接处干扫几下，增加过渡的色阶。

也可用笔蘸少量清水在生硬之处轻扫几下，使两个颜色衔接处从明度或色彩方面揉出过渡层次，转折即会自然。

Ⅹ 大一色彩结课总结1500字

在两周的色彩图式语言的课程之后,开始了为期四周的色彩课程的学习.色彩课程的练习主要是在对静物的写生中开展的,目的是深化对色彩图式语言的理解,熟练对图式语言中的各个要素的把握和运用,重点的是在对图式语言对色彩中色像,明度,纯度要素的协调运用,对物体的颜色,光影,透视和图案的构成的表现的基础上,丰富整个画面,使画面更加完整.所以说画面的完整性是这四周的色彩课程的主要训练目标.

在四周的色彩课程中,我总共完成了13幅色彩作业.

在课程的第一周,我只要进行了对机器静物的写生练习,由于造型能力有限,色彩感觉不太好,写生的作品比较失败,画面缺乏完整性,对静物色彩的把握也不好,往往只有简单的明度对比,仅仅用不同的颜色表现了所看到静物的素描关系.

在课程的第二周,我尝试了按照莫兰迪画面上的感觉,试图将其把看上去简单其实却很丰富的色彩用在对陶罐静物的写生中,所以我自己摆了一组很简单的静物,在一个**的桌子上就只有一个褐色的陶罐,用了两天的时间去对这个对象进行写生,最后的效果还是不好,画面上依然只有简单的素描明暗关系,也还是用单调的色彩画出的素描静物.在第二周的课外作业中我用水分颜料花了一个星期的时间临摹了凡高的《星月夜》，尝试了凡高那种特有的笔触，虽然最后完成的作品中颜色和原作中有比较大的出入，一方面是由于我选择的临本本身的印刷问题，整个画面色调偏绿，而我在临摹的过程中也由于经验和技术上的问题，调不出临本上的颜色，所以，画面气氛比原作要少很多，但是经过对这幅《星月夜》的临摹，我一方面体会到了凡高的画并不是一时意气之作，他的画面都是经过精心安排，仔细构图的，比如《星月夜》这幅油画，凡高先是用钢笔做了张草图，然后再用油画颜料画在画布上，而画面中高大的贯穿整个画面的深色的丝柏正好分割了整个天空，阻挡了天空的流动，使画面更加沉稳；然而更重要的是我在对《星月夜》的临摹过程中稍稍体会到了用色的一些方法。在临摹完《星月夜》之后完成的另外一张课外作业中，默写了学校宿舍后面一排平房晚上停电时，一半自己发电亮着灯，而另一半点着蜡烛的场景，在这幅画中模仿了凡高的笔触描绘天空，整张画虽然还是缺乏完整性，但是色彩的丰富程度大有提高。

在课程的第三周和最后一周，我尝试运用了油画颜料这一种新的工具，对蓝色桌布上的一束花写生，感受了油画颜料和我一贯运用的水粉颜料的不同，而画出来的效果也比水粉画更好。我在继续丰富画面的色彩的同时，加长完成作业的时间，以提高作业的完整性。在完成长期作业的过程之中，也穿插了小尺幅的短期作业，快速表现场景和静物制作草稿，以训练在构图上的安排和对整个画面色调和气氛的控制。在最后一周时间中主要完成考试作业结束和总结课程学习。

在色彩课程学习的过程中，一共组织了两次大课，讲解欣赏学生优秀作品和大师范画，这对我学习很有帮助，在课程的学习中，老师也细心帮我讲解，也促进了我的进步，在以后的学习中我要继续努力，提高绘画水平。

前段时间，有个哥们，去了美国纽约现代艺术博物馆，然后看到毕加索的亚威农少女，这是毕加索跨时代的名作。回来以后，几个朋友就在聊：哎呀，毕加索画的真好啊。其他几个人也附和说真棒啊。

我啊，就有点坏，充当了一个《皇帝的新衣》里面的小孩角色，我就问了一个：亚威农少女哪画的好啊？呀呵，这哥们就说了：笔触奔放、造型牛逼，色彩等等怎样怎样...我说现实当中让你挑姑娘，你会选择亚威农少女里的姑娘么？哥们想了想，说不会...

对啊，亚威农少女里面，五个姑娘，有三个画的像鬼一样，另外两个勉强像人，太丑了，现实当中谁会喜欢这样的姑娘。

在现实当中，我们往往以为大师的作品就是美的。大师画的作品不一定是美，但实际上有些事在当时给我们的启示并不在于美的本身。

首先我们来看看亚威农少女，画的是当时在大街上，一群卖春的姑娘。作为当时的艺术家，毕加索怎么也是上流社会的人，他不会去歌颂一个靠出卖肉体这样的阶层，这是第一点。

第二点，为什么大家会产生这样的误解？往往可能跟毕加索个人的生活相关，毕加索一生情人无数。在这里头，大家对艺术家可能会存在一点点偏见，就说比如罗丹的情人很多，埃贡席勒情人也很多，等等，很多人都认为，这个艺术家都会跟模特发生性关系等等。当然毕加索是一个很极品的人了，不光名字那么长，情人无数，领过证的老婆就有六个，孩子也非常多，画作两三万张，非常“高产”。

实际上，艺术家这个群体并不是像大家想象的那样都属于香艳的状态，这是第一；第二，这种情况的发生与特定的场景有一定的关系。咱看一下，毕加索这哥们是44岁的时候泡到了一个17岁的姑娘，62岁的时候跟一个22岁的姑娘结了婚，一直到80岁的时候，和一个35的姑娘又结了一次婚。后来在八十多岁的时候得了前列腺的，然后做了一个手术，从此毕加索感慨原来白天的战场在画布，晚上的战场在床上；自从做了手术以后，这个战场只能在画布上了！

这当然是一个笑话，但是这种场景是如何产生的？毕加索在追那个十七岁的姑娘时说，我是毕加索，来给我当模特吧。模特与画家之间有一种特殊的场景，就是当你在画画的时候，两个人之间的眼睛经常会出现对视的情况。不信你可以去试试，因为这个事儿我们还专门做了一个实验，叫十五秒对视实验。什么意思呢？大家都说眼睛是心灵的窗户，当你两扇窗户都打开了，窗户对上窗户的时候，还有眼珠子也不错，那难免就会有一些人翻窗户过去当一个偷心的贼。你不信可以试一下，如果你和一个异性对视了十五秒，没有笑场，那么要么就是红着脸，要么就是红着眼，一定会有情感事情发生了。

在互联网圈，有一个歧视的鄙视链，做集成的工程师歧视做做c语言的，做c语言的歧视做c++的，c++歧视做Java的，Java的歧视做PHP的，最后大家合起来鄙视做美工的，因为美工不懂技术。这个做美工的就微微一笑，你们都没有女朋友。这就反映出了一个场景，因为在做工程开发或者是做技术的时候，你面对的那个对面的窗户是一个机器，它没有办法把心灵的窗户打开让你跳进来。

为什么圈会经常出现一些花边的新闻。那个场景创设的简直就是天造地设，两人对视就不说了。吻戏啊、床戏啊，那是一个天然的场景，所以这就变成了一个情感的多发地带。无论哪个圈子也好，凡是场景设定特别符合这种事情发生的地方，都一定会产生这种香艳的故事。

言归正传，回到今天的这个毕加索的主题上。大师既然画了这么多幅作品。像亚威农少女这样，是立体派的开山鼻祖，画得又不美又不好看，它的价值在哪里？我们今天就来屡屡毕加索到底为什么这么牛。

回到毕加索所处的那个时代。毕加索进入到美术领域的时候是十几岁，那是就已经展露出了他的天分。14岁的时候，他的作品无论是空间感，塑造色彩等，都已经非常成熟。但是你往前去看，在学院派的时候，在写实的那个场景里，前面安格尔、丢勒啊等等，文艺复兴的时期，大量的大师的作品。你看到那些作品时，你会发现，穷毕生之力，能够跟他们打个平手就已经非常非常不简单了。

所以作为一代天才，毕加索并没有选择一个常人所选择的路径。他所选择的这个立体派，也就是我们通常所说的立体主义，到底源自于何方。首先从思想领域来看，立体主义并不是在绘画领域最先出现的，最先出现在思想界，据说在黑格尔的时候就已经提出来了这样的观点，当然具体我们需要去考证，但是在画面上真正把它实现出来，并且变成一种流派，是毕加索所作出的特殊贡献。在毕加索之前，立体派的萌芽时期，有一位著名的艺术家塞尚，塞上在晚年的时候认为所有的东西都可以还原成几何形体，但这只是立体派的萌芽阶段。

到了毕加索的时候，他做了一次革新。他认为艺术家的观看视角是可以变化的。比如，以前艺术家在画一个模特的时候，我坐的这个地方，模特坐在对面，那么我在这个地方不断的去描摹这个模特。在二维的平面空间里头，我在模仿一个三维的东西，这是传统绘画里头遵从的一个东西，包括后来到印象派画风景等等，都还在尊崇一种客观的规律。但是立体派开创了另外一种可能。举个例子，我在这地方看姑娘的脸特别的好看，我画了一半。然后发现下半个脸更好看，我转到另外一面，画了一个正面的脸，跟他结合在一起。

所以有时候你会看到毕加索的画面上的会出现上半个脸跟下半个脸，处在不一样的角度，然后你再转过来，可能看到背面。你再去看亚威农少女里面的那些姑娘，那都是完全不在一个视角里看到的场景。它的最大的价值在于他打碎了原有画面必须的这种空间感和体系，重新构建一种秩序，这种秩序是由艺术家所主导的。你不要小瞧了这一点点的突破，这一点点的突破打开了一个潘多拉的魔盒。在一个平面的空间里头，它能够组合各种各样的元素，可以是方的，可以是立体的，可以是不同视角的，他打开了一个想象的可能性，所以到后来我们看现代派、后现代派等等，各种各样的流派，各种各样的元素都可以进入到画面里，这在立体派之前是没有的。

立体主义的价值。如果放到现在去做一个对标的话，在头几年的时候，我们看到了一个**，卡梅隆的代表作《阿凡达》。在《阿凡达》之前，我们看到的**都是二维的，而《阿凡达》却给了我们一种观看的颠覆。用现在世面上特别火热的虚拟现实、增强现实等等，它也在不断地改变着人类观看世界的视角，这是它的价值所在。我们在看看，如果把毕加索当做一个创业者，他是一个极其聪明的创业者，我们可以给它找一个对标，就是现代的苹果，乔布斯。乔布斯，在选择他的创业方向的时候，历史总会有些惊人相似的地方，当时他在做智能手机之前，并不是说是乔布斯一手缔造了在这个。

在这个诺基亚和摩托罗拉都在研发一些智能手机，但是没有人去把这些手机推送到市面上，因为培育用户的成本实在是太高。但是乔布斯就是不一样，把手机和平板结合在了一起，开创了一个新的交互体验，不再是传统的键盘手机。这开创了一个移动互联网时代，这一点小小的改进你现在回过头去看并不复杂，但是它催生了一个完全不同的生态。现在多少人是依靠安卓系统、苹果系统去开发app在进行创业。这是他开创了一个新时代，为更多的人铺下了一个奠基石。

这是他最高的一个段位和历史上的一个作用。回到毕加索，他成功的把立体主义转化成了一个平面上能够看得见的视觉呈现。在这一点上，他的贡献为整个后来这种视觉上的变化、思想上的变化，包括后来音乐、建筑、**等等，都出现了立体主义的影子，大家不断地在进行这个打散和重构。

格尔尼卡，这是一张描绘战争的作品，这张作品画的确实让人看了以后会非常的感动，让人觉得战争中的那种阴影笼罩，有各种各样的情绪。他把很多不可能的因素聚合在了一起，比如说画面上有哭泣的母亲抱着孩子，有哭泣的女人，有哭泣的牛，有哭泣的马，当然这些都有它的象征意义。在整个画面缝隙的地方，你还能看到一些断掉的肢体。画面从色彩的构成上来看的话，基本上没有什么颜色，表达的都是一种伤痛情绪。这个在二维的空间里，你很难把这么多具有相同类似情节的东西放在一张画面里去呈现。

毕加索在整个艺术发展过程当中，他做了一个开创性的创举，他选择了一个完全不同于别人的赛道。在这条赛道上，他是规则的制定者，后来人都是在他奠定的基础上不断地生根发芽，长出新的东西来。这就是毕加索创新所带来的真正价值所在。

对在一个领域进行开拓的创业者、创新者表示崇高的敬意。